Una desobediencia artística que aspira a la Belleza y a la Utilidad
Articulo de Alessandra Ribera d’Alcalà.
Un agradecimiento especial a la Sra. Sylvette Botella Gaudichon por su valiosa contribución.
A finales de noviembre de 2022, el equipo de Mad’in Europe abandonó el territorio belga para dirigirse a Roubaix, ciudad francesa apodada el Manchester del Norte, que tiene relaciones estrechas pero atormentadas con Inglaterra debido a su rivalidad en la industria textil y el comercio de la lana.
Nuestro objetivo era visitar la exposición «L’Art dans Tout» en el icónico Museo La Piscine, que rinde homenaje a la vida, el pensamiento y las obras de William Morris (1834 – 1896), poeta, pensador libertario y figura destacada del Movimiento artístico Arts & Crafts, participó junto a la Hermandad de los Prerrafaelitas en una rebelión contra la sociedad victoriana, a la que considera elitista y filistea.
Tuvimos el honor de hablar con la señora Sylvette Botella Gaudichon, directora del museo, gracias a la cual pudimos confirmar el paralelismo entre los valores de William Morris y los de Mad’in Europe. Victor Champier, conocido crítico de arte y fundador en 1903 del primer museo de artes e industrias textiles de Roubaix, fue un ferviente discípulo de William Morris y promotor de las artes decorativas de Roubaix. Se inspiró en la sala verde del Victoria & Albert Museum creada por William Morris.
La ecología, el decrecimiento, el feminismo, la transmisión del know-how y la valorización del pasado ocupan los primeros puestos cuando rastreamos la visión social, económica y cultural del mundo de William Morris. Y no será hasta el siglo XXI cuando las luchas sociales emprendidas en su día por William Morris resuenen entre el gran público.
Fue durante un viaje para descubrir las catedrales góticas y los pintores flamencos primitivos (Van Eyck, Memling) en Bélgica y Francia, en el verano de 1855, que la trayectoria de la vida de Morris tomó un giro diferente. Proveniente de una rica familia puritana y inicialmente convencido de tomar los votos, descubrió su verdadera vocación artística, que lo llevó a estudiar arquitectura y luego pintura, hasta explorar el bordado, los tapices, las vidrieras, la carpintería, la albañilería, el papel pintado, la carpintería, el vidrio y la decoración en un espíritu muy británico.
¿Qué tan visionario fue William Morris al enfrentar luchas que se han vuelto fundamentales en el siglo XXI?
Un himno a la arquitectura
Para comprender el amor de Morris por la arquitectura primero hay que considerar su amor por las artes aplicadas. Morris cree que, al atribuir cualidades ornamentales a objetos utilitarios, las artes aplicadas agregan belleza a los resultados del trabajo humano, pero sobre todo placer al trabajo. Por el contrario, ve la industrialización como una represión de la estética y el bienestar, que destruye el instinto innato de belleza en cada hombre.
Considera la arquitectura como la base de todas las artes aplicadas, porque es un arte que engloba todas las disciplinas en su interior. «Si me pidieran decir cuál es la producción más importante del arte y lo más deseable, respondería: una hermosa casa.»
Si me pidieran decir cuál es la producción más importante del arte y lo más deseable, respondería: una hermosa casa
En 1858, Morris se casó con su musa Jane Burden, una experta bordadora, y en 1859 encargó al arquitecto Philip Webb la construcción de la «Red House» en Bexleyheath, en el sureste de Londres. Durante seis años vivió en esta casa de ladrillo rojo destinada a la familia, los amigos y el trabajo, hasta que se hizo demasiado pequeña para sus ambiciosos proyectos.
Esta casa era la personificación de su pensamiento y la manifestación suprema del movimiento Arts & Crafts. Para construir esta casa, donde nada será producido y fabricado industrialmente (ni siquiera ladrillos de arcilla), Morris llama a los mejores artesanos de Inglaterra para que trabajen en condiciones privilegiadas y realicen todo tipo de obras diseñadas por los artistas del movimiento prerrafaelista. Morris exhorta a estos excelentes artesanos a transmitir sus habilidades para no sucumbir al elitismo sectario.
Himno a la conservación del Patrimonio
Una de las formas en que Morris demostrará su amor por la arquitectura será estimular la conservación del patrimonio cultural. Como John Ruskin (1819-1900), gran artista y crítico de su tiempo, atribuye una notable importancia al espíritu de los edificios antiguos y propone la «no restauración». En 1877 fundó la Society for the Protection of Ancient Buildings (el precursor del National Trust) con el objetivo de evitar el uso de métodos modernos para la restauración de edificios antiguos. Morris concede gran importancia a la transmisión de las competencias del pasado, porque según él «es con el aprendizaje de los siglos, en resumen, que un artista nace en el taller del mundo». Quiere evitar «manchar» la superficie de la tierra erigiendo edificios que no tienen un procesamiento de calidad. Denuncia el distanciamiento de los grandes artistas y del público de la tradición, del conocimiento y de la comprensión del pasado.
Himno a la Belleza y la Utilidad
Emulando el éxito del proyecto «Red House», Morris decidió continuar el proceso creando la empresa de artesanía «Morris, Marshall, Faulkner & Co, Fine Art, Workmen in Painting, Carving, Furniture and the Metals«, que más tarde se convirtió en «Morris & Co«, famoso por el diseño del comedor verde que hoy se encuentra en el Victoria and Albert Museum. Según Morris, todos merecen producir y estar rodeados de objetos hermosos en su vida diaria. La búsqueda de la belleza es su Leitmotiv. También sugiere que en la casa no debe haber nada que no sea útil o hermoso y llega a decir que «nada inútil puede ser realmente hermoso«. Exhorta a los artesanos a responder a la necesidad de belleza en todas sus creaciones y a no ceder a la lógica capitalista que pretende sobre todo generar beneficios.
Nada inútil puede ser realmente hermoso
Emulando el éxito del proyecto «Red House», Morris decidió continuar el proceso creando la empresa de artesanía «Morris, Marshall, Faulkner & Co, Fine Art, Workmen in Painting, Carving, Furniture and the Metals«, que más tarde se convirtió en «Morris & Co«, famoso por el diseño del comedor verde que hoy se encuentra en el Victoria and Albert Museum. Según Morris, todos merecen producir y estar rodeados de objetos hermosos en su vida diaria. La búsqueda de la belleza es su Leitmotiv. También sugiere que en la casa no debe haber nada que no sea útil o hermoso y llega a decir que «nada inútil puede ser realmente hermoso«. Exhorta a los artesanos a responder a la necesidad de belleza en todas sus creaciones y a no ceder a la lógica capitalista que pretende sobre todo generar beneficios.
Un himno a la autorrealización
Para Morris la búsqueda del placer en la vida cotidiana era fundamental. Consideraba que este objetivo debía alcanzarse a través del trabajo, ya que ocupa gran parte de nuestras vidas. Así, pudo afirmar que «mi trabajo es la encarnación de los sueños en una forma u otra». Según él, el trabajo debe ser fuente de placer y dignidad, lo que implica el conocimiento de lo que se hace, una buena remuneración y un descanso adecuado.
Morris desea preservar el aspecto artístico y creativo del trabajo. El arte permitiría que el trabajo fuera una fuente de placer y no una pesada carga.
Él afirma que «cómo comer sería un trabajo de rutina sin el apetito o el placer de comer, por lo que la producción de bienes utilitarios sin el arte o el placer de crear es tedioso». También afirma que la ayuda mutua debe ser el motor principal de un trabajo, si se quiere que sea agradable. A Morris le preocupan las consecuencias individualistas y conflictivas de la revolución industrial, que afectan directamente a la mayoría de los trabajadores cuya finalidad es producir.
[1] https://designmanifestos.org/william-morris-the-arts-and-crafts-of-today/
Cómo comer sería un trabajo de rutina sin el apetito o el placer de comer, por lo que la producción de bienes utilitarios sin el arte o el placer de crear es tedioso
Para Morris, el arte es la condición sine qua non de la realización personal. El estaba convencido del placer que las artes aplicadas a los artículos utilitarios y decorativos generaban en sus creadores y consumidores, en contraste con la producción en la línea de montaje de productos «d’ersatz». Proclama una rebelión en alegría para resistir el paso del arte a su mercantilización. Influenciado por la opinión de John Ruskin de que hay que preguntarse si «el adorno se realizó con placer», Morris va más allá, argumentando que un objeto hecho por un fabricante infeliz hará infeliz a su consumidor.
Un himno a la Ecología y el Decrecimiento
William Morris denuncia la industrialización y la mecanización de su época y desea un mundo más cercano a la naturaleza y al trabajo manual. En su opinión, una producción o un cultivo excesivo son inútiles. La revolución industrial no solo explotó al hombre, sino que también destruyó recursos y sitios naturales.
Morris acepta creaciones artesanales en el campo de las artes decorativas solo con la condición de que tengan un propósito utilitario. De esta manera apoya el consumo responsable y el decrecimiento antes de tiempo. La idea de fondo es no sobreproducir, no » plantar demasiado», sino cultivar siempre las flores.
De hecho, la naturaleza domina todo su arte. Desde la infancia desarrolló una pasión por las flores, que están abundantemente representadas en sus papeles pintados, para que la naturaleza pueda entrar en la casa. En pintura, fue miembro de la «Cofradía de los Prerrafaelitas«, estructurada como una corporación medieval y con una dimensión ecológica y de sensibilización. Los prerrafaelitas sostenían un arte más cercano a la naturaleza, a pesar de la conciencia de que es imposible de igualar, y se dirigían a los ambientes naturales para pintar.
Una oda al feminismo
Considerado demasiado «frágil» para ser enviado a estudiar como los otros niños de su edad, Morris creció con las hermanas, rodeado de mujeres. Gran promotor de la igualdad de oportunidades y de la emancipación femenina, se distingue una vez más de la actitud patriarcal de su tiempo. Para la construcción de la «Red House«, por ejemplo, reunió a toda una comunidad de excelentes artistas y artesanos, hombres y mujeres, a quienes se les pagaba de la misma manera y estaban sujetos a la misma condición: transmitir sus habilidades a un aprendiz.
En sus relatos y poesías da un amplio espacio a las mujeres, se vuelve a abrir de novelas medievales como la leyenda arturiana, dando por ejemplo a la reina Ginebra un papel de primer plano para denunciar la moral de su tiempo que reprimía a las mujeres en la esfera pública. Las mujeres como símbolos de compromiso (especialmente algunas «sufragistas») también se ilustran en sus pinturas, tapices y vidrieras.
Un himno al Socialismo
Su compromiso político lo ha convertido en una figura destacada del ecosocialismo, en constante lucha contra la organización capitalista e industrial de la modernidad. Inicialmente se unió a la Federación Democrática y Social y ayudó a fundar la Liga Socialista junto con Eleanor Marx, hija de Karl Marx.
El socialismo de Morris tiene un ideal artístico: la desigualdad social es incompatible con la existencia de un arte saludable. «No quiero el arte para unos pocos, así como no quiero la educación para unos pocos o la libertad para unos pocos», dijo. Morris se niega categóricamente a concentrar los conocimientos y el arte en un entorno de élite. Para que esto sea posible, el arte debe ser una parte integral de los artefactos.
No quiero el arte para unos pocos, así como no quiero la educación para unos pocos o la libertad para unos pocos.
El socialismo de Morris es reconstructivo porque, aunque denuncia una sociedad plutócrata, invita a la clase oprimida a unirse y a transformar el descontento y la sed de justicia en esperanza contra el egoísmo institucionalizado. Se niega a sucumbir al sistema de mercado competitivo en el que los ricos prevalecen e imponen sus estándares de belleza a los demás. Morris tiene nostalgia de la Edad Media, una época de perfecta asociación de los artesanos en gremios donde la jerarquía solo existe en la etapa de aprendizaje del oficio. La producción implicaba entonces un compromiso total del trabajador y no se reducía a una tarea mecánica insignificante y alienante. El ritmo de trabajo era más humano y el comercio era un medio para lograr un fin. Las desigualdades entre el trabajador y los especialistas responsables de las máquinas no existían.
En Inglaterra, William Morris se hizo famoso por sus escritos y papel tapiz. Sin embargo, como hemos visto, era mucho más capaz de rendir homenaje a la Belleza y a la Utilidad desobedeciendo constantemente los códigos de su tiempo.
Así como él invitó a sus contemporáneos a valorar la tradición y la comprensión del pasado, nosotros deseamos preservar el espíritu de este gran artista y artesano cuya conciencia ya se había despertado a los grandes desafíos de la sociedad. Como artista, Morris se sentía investido de una gran responsabilidad porque, como decía, «somos los últimos representantes de la industria artesanal a la que la producción comercial ha asestado un golpe mortal«.
[1] https://designmanifestos.org/william-morris-the-arts-and-crafts-of-today/
| Referencias bibliográficas – Botella-Gaudichon, S., Morris, W., & La Piscine-Musée d’art et d’industrie André Diligent (Roubaix, N. (2022). William Morris (1834-1896): l’art dans tout. Snoeck. – Morris, W., Breda, L., & Gillyboeuf, T. (2011). L’Art et l’artisanat. RIVAGES. |