Una disobbedienza artistica che aspira alla Bellezza e all’Utilità
Articolo di Alessandra Ribera d’Alcalà
Un ringraziamento a Mme Sylvette Botella Gaudichon per la sua preziosa collaborazione.
A fine novembre 2022, il team di Mad’in Europe ha lasciato il territorio belga per recarsi a Roubaix, città francese soprannominata la Manchester del Nord, che ha rapporti stretti ma tormentati con l’Inghilterra a causa della loro rivalità nell’industria tessile e nel commercio della lana.
Il nostro obiettivo era quello di visitare la mostra “L’Art dans Tout” presso l’iconico Museo La Piscine, che rende omaggio alla vita, al pensiero e alle opere di William Morris (1834 – 1896), poeta, pensatore libertario e figura di spicco del Movimento artistico Arts & Crafts, impegnato al fianco della Confraternita dei Preraffaelliti in una ribellione contro la società vittoriana, che considera elitaria e filistea.
Abbiamo avuto l’onore di parlare con la signora Sylvette Botella Gaudichon, direttrice del museo, grazie alla quale abbiamo potuto confermare il parallelismo tra i valori di William Morris e quelli di Mad’in Europe. Victor Champier, noto critico d’arte e fondatore nel 1903 del primo museo delle arti e delle industrie tessili di Roubaix, è stato un fervente discepolo di William Morris e un promotore delle arti decorative di Roubaix. Si è ispirato alla green room del Victoria & Albert Museum creata da William Morris.
L’ecologia, la decrescita, il femminismo, la trasmissione del know-how e la valorizzazione del passato sono i primi all’appello quando ripercorriamo la visione sociale, economica e culturale che William Morris aveva del mondo. E non è che nel XXI secolo che le lotte sociali condotte un tempo da William Morris risuoneranno con il grande pubblico.
Fu durante un viaggio alla scoperta delle cattedrali gotiche e dei pittori primitivi fiamminghi (Van Eyck, Memling) in Belgio e in Francia, nell’estate del 1855, che la traiettoria della vita di Morris prese una piega diversa. Proveniente da una ricca famiglia puritana e inizialmente convinto di prendere i voti, scoprì invece la sua vera vocazione artistica, che lo portò a studiare architettura e poi pittura, fino ad esplorare il ricamo, gli arazzi, le vetrate, la falegnameria, la muratura, la carta da parati, la carpenteria, la vetreria e l’arredamento in uno spirito molto britannico.
Quanto è stato visionario William Morris nell’affrontare lotte che sono diventate fondamentali nel XXI secolo?
Un inno all’architettura
Per comprendere l’amore di Morris per l’architettura bisogna prima considerare il suo amore per le arti applicate. Morris ritiene che, attribuendo qualità ornamentali a oggetti utilitari, le arti applicate aggiungano bellezza ai risultati del lavoro umano, ma soprattutto piacere al lavoro. Al contrario, vede l’industrializzazione come una repressione dell’estetica e del benessere, che distrugge l’istinto di bellezza innato in ogni uomo.
Considera l’architettura il fondamento di tutte le arti applicate, perché è un’arte che ingloba tutte le discipline al suo interno. “Se mi chiedessero di dire qual è la produzione più importante dell’arte e la cosa più desiderabile, risponderei: una bella casa.”
Se mi chiedessero di dire qual è la produzione più importante dell’arte e la cosa più desiderabile, risponderei: una bella casa.
Nel 1858 Morris sposa la sua musa Jane Burden, un’abile ricamatrice, e nel 1859 commissiona all’amico architetto Philip Webb la costruzione della “Red House” a Bexleyheath, nel sud-est di Londra. Per sei anni ha vissuto in questa casa di mattoni rossi destinata alla famiglia, agli amici e al lavoro, finché non è diventata troppo piccola per i suoi progetti ambiziosi. Questa casa era la personificazione del suo pensiero e la manifestazione suprema del movimento Arts & Crafts. Per costruire questa casa, in cui nulla sarà prodotto e fabbricato industrialmente (nemmeno i mattoni di argilla), Morris chiama i migliori artigiani d’Inghilterra perché lavorino in condizioni privilegiate e realizzarono ogni sorta di opera progettata dagli artisti del movimento preraffaellita. Morris esorta questi eccellenti artigiani a trasmettere le loro competenze per non soccombere all’elitarismo settario.
Un inno alla conservazione des patrimonio
Uno dei modi in cui Morris dimostrerà il suo amore per l’architettura sarà quello di sollecitare la conservazione del patrimonio culturale. Come John Ruskin (1819-1900), grande artista e critico del suo tempo, attribuisce una notevole importanza allo spirito degli edifici antichi e propone il “non restauro”. Nel 1877 fondò la Society for the Protection of Ancient Buildings (il precursore del National Trust) con l’obiettivo di impedire l’uso di metodi moderni per il restauro degli edifici antichi. Morris attribuisce grande importanza alla trasmissione delle competenze del passato, perché secondo lui “è con l’apprendimento dei secoli, in breve, che un artista nasce nell’officina del mondo”. Vuole evitare di ” macchiare” la superficie della terra erigendo edifici che non hanno una lavorazione di qualità. Denuncia il distacco dei grandi artisti e del pubblico dalla tradizione, dalla conoscenza e dalla comprensione del passato.
Un inno alla bellezza e all’utilità
Emulando il successo del progetto “Red House”, Morris decise di continuare il processo creando l’azienda artigiana “Morris, Marshall, Faulkner & Co, Fine Art, Workmen in Painting, Carving, Furniture and the Metals”, che in seguito divenne “Morris & Co“, famosa per l’ideazione della sala da pranzo verde che oggi si trova al Victoria and Albert Museum. Secondo Morris, tutti meritano di produrre e di essere circondati da oggetti belli nella loro vita quotidiana. La ricerca della bellezza è il suo Leitmotiv.
Suggerisce inoltre che in casa non ci deve essere nulla che non sia utile o bello e arriva a dire che “nulla di inutile può essere veramente bello”. Esorta gli artigiani a rispondere al bisogno di bellezza in tutte le loro creazioni e a non cedere alla logica capitalistica che mira soprattutto a generare profitti.
Nulla di inutile può essere veramente bello
Ha così creato decorazioni murali, carte da parati con antiche tecniche di stampa, tappezzerie, vetrate, sculture architettoniche e mobili, come le sedie Sussex inizialmente recuperate da una casa di campagna. Le sue creazioni ornamentali, sempre affiancate da un artigianato di alta qualità, lo hanno reso un pioniere del design, una disciplina che ai suoi tempi non esisteva ancora. Frank Lloyd Wright (1867 – 1959), il grande architetto americano, si è ispirato inizialmente a Morris, come molti altri progettisti moderni. E non è tutto: oltre alle sue numerose doti di decoratore, Morris, che imparò a leggere all’età di quattro anni, sviluppò anche una passione per le arti grafiche, l’editoria e la stampa tradizionale, fondando nel 1891 la Kelmscott Press, una casa editrice, una stamperia e una fonderia di caratteri tipografici tradizionali.
Un inno alla realizzazione di sé
Per Morris la ricerca del piacere nella vita quotidiana era fondamentale. Egli riteneva che questo obiettivo dovesse essere raggiunto attraverso il lavoro, poiché esso occupa gran parte della nostra vita. Così, ha potuto affermare che “il mio lavoro è l’incarnazione dei sogni in una forma o nell’altra”. Secondo lui, il lavoro deve essere fonte di piacere e dignità, il che implica la conoscenza di ciò che si fa, una buona retribuzione e un adeguato riposo.
Morris desidera preservare l’aspetto artistico e creativo del lavoro. L’arte permetterebbe al lavoro di essere una fonte di piacere e non un pesante fardello.
Egli afferma che “come mangiare sarebbe un lavoro di routine senza l’appetito o il piacere di mangiare, così la produzione di beni utilitari senza l’arte o il piacere di creare è tediosa”. Aggiunge inoltre che l’aiuto reciproco deve essere il motore principale di un lavoro, se si vuole che sia piacevole. Morris si preoccupa delle conseguenze individualistiche e conflittuali prodotte dalla rivoluzione industriale, che colpiscono direttamente la maggioranza dei lavoratori il cui scopo è quello di produrre.
Come mangiare sarebbe un lavoro di routine senza l’appetito o il piacere di mangiare, così la produzione di beni utilitari senza l’arte o il piacere di creare è tediosa
Per Morris, quindi, l‘arte è la conditio sine qua non della realizzazione personale. Morris era convinto del piacere che le arti applicate agli articoli utilitari e decorativi generavano nei loro creatori e consumatori, in contrasto con la produzione in catena di montaggio di prodotti “d’ersatz”. Proclama una ribellione in allegria per resistere al passaggio dell’arte alla sua mercificazione. Influenzato dall’opinione di John Ruskin, secondo cui bisogna chiedersi se “l’ornamento è stato eseguito con piacere”, Morris si spinge oltre, sostenendo che un oggetto realizzato da un produttore infelice renderà infelice il suo consumatore.
Un inno all’ecologia e alla decrescita
William Morris denuncia l’industrializzazione e la meccanizzazione del suo periodo e auspica un mondo più vicino alla natura e al lavoro manuale. A suo avviso, una produzione o una coltivazione eccessiva sono inutili. La rivoluzione industriale non solo ha sfruttato l’uomo, ma ha anche distrutto risorse e siti naturali.
Morris accetta le creazioni artigianali nel campo delle arti decorative solo a condizione che abbiano uno scopo utilitario. In questo modo sostiene il consumo responsabile e la decrescita prima del tempo. L’idea di fondo è di non sovraprodurre, di non ” piantare troppo”, ma di coltivare sempre i fiori.
In effetti, la natura domina tutta la sua arte. Fin dall’infanzia ha sviluppato una passione per i fiori, che sono abbondantemente rappresentati sulle sue carte da parati, in modo che la natura possa entrare in casa. In pittura, fu membro della “Confraternita dei Preraffaelliti”, strutturata come una corporazione medievale e con una dimensione ecologica e di sensibilizzazione. I preraffaelliti sostenevano un’arte più vicina alla natura, nonostante la consapevolezza che sia impossibile da eguagliare, e si recavano negli ambienti naturali per dipingere.
Un’inno al femminismo
Considerato troppo “fragile” per essere mandato a studiare come gli altri ragazzi della sua età, Morris crebbe con le sorelle, circondato da donne. Grande promotore delle pari opportunità e dell’emancipazione femminile, si distingue ancora una volta dall’atteggiamento patriarcale del suo tempo. Per la costruzione della “Red House“, ad esempio, riunì un’intera comunità di eccellenti artisti e artigiani, uomini e donne, che venivano pagati allo stesso modo ed erano soggetti alla stessa condizione: trasmettere le loro abilità a un apprendista.
Nei suoi racconti e nelle sue poesie dà ampio spazio alle donne, si riappropria di romanzi medievali come la leggenda arturiana, dando ad esempio alla regina Ginevra un ruolo di primo piano per denunciare la morale del suo tempo che reprimeva le donne nella sfera pubblica. Le donne come simboli di impegno (in particolare alcune “suffragette”) sono illustrate anche nei suoi dipinti, arazzi e vetrate.
Un inno al socialismo
Il suo impegno politico lo ha reso una figura di spicco dell’ecosocialismo, in costante lotta contro l’organizzazione capitalistica e industriale della modernità. Inizialmente aderì alla Federazione democratica e sociale e contribuì a fondare la Lega socialista insieme a Eleanor Marx, figlia di Karl Marx.
Il socialismo di Morris ha un ideale artistico: la disuguaglianza sociale è incompatibile con l’esistenza di un’arte sana. “Non voglio l’arte per pochi così come non voglio l’istruzione per pochi o la libertà per pochi”, ha detto. Morris rifiuta categoricamente di concentrare il know-how e l’arte in un ambiente elitario. Affinché ciò sia possibile, l’arte deve essere parte integrante dei manufatti.
Non voglio l’arte per pochi così come non voglio l’istruzione per pochi o la libertà per pochi
Il socialismo di Morris è ricostruttivo perché, pur denunciando una società plutocratica, invita la classe oppressa a unirsi e a trasformare il malcontento e la sete di giustizia in speranza contro l’egoismo istituzionalizzato. Si rifiuta di soccombere al sistema del mercato concorrenziale in cui i ricchi prevalgono e impongono i loro standard di bellezza agli altri. Morris ha nostalgia del Medioevo, un’epoca di perfetta associazione degli artigiani in corporazioni dove la gerarchia esiste solo nella fase di apprendistato del mestiere. La produzione comportava allora un impegno totale del lavoratore e non si riduceva a un compito meccanico insignificante e alienante. Il ritmo di lavoro era più umano e il commercio era un mezzo per raggiungere un fine. Le disuguaglianze tra l’operaio e gli specialisti responsabili delle macchine non esistevano.
In Inghilterra William Morris divenne famoso per i suoi scritti e per la carta da parati. Tuttavia, come abbiamo visto, era molto più abile nel rendere omaggio alla Bellezza e all’Utilità disobbedendo costantemente ai codici del suo tempo.
Come egli invitò i suoi contemporanei a valorizzare la tradizione e la comprensione del passato, così noi desideriamo preservare lo spirito di questo grande artista e artigiano la cui coscienza si era già risvegliata alle grandi sfide della società. Come artista, Morris si sentiva investito di una grande responsabilità perché, come diceva, “siamo gli ultimi rappresentanti dell’industria artigianale a cui la produzione commerciale ha inferto un colpo mortale”.
| Riferimenti bibliografici: – Botella-Gaudichon, S., Morris, W., & La Piscine-Musée d’art et d’industrie André Diligent (Roubaix, N. (2022). William Morris (1834-1896): l’art dans tout. Snoeck. – Morris, W., Breda, L., & Gillyboeuf, T. (2011). L’Art et l’artisanat. RIVAGES. |